今天想聊聊關於音樂製作的流程，而後也會針對今天所談到的各個流程，再去做更深入的描述。

如果想了解更深入的內容歡迎點擊以下連結去閱讀唷：

• 關於作詞
• 關於作曲
• 關於編曲
• 關於混音
• 關於母帶處理
• 關於音樂行銷推廣

在開始之前，我想告訴大家，這篇文章只是一套常見的製作“模板”，可以在你想要創作卻沒有方向的時候給你一點參考。

但，並不需要完全地照做。

跟著你的想法去走、去創造，那才是唯一正確的事情。

音樂製作流程

作詞、作曲

先有詞，還是先有曲？

第一步，也就是整個創意的起源。

不過很多人剛開始，都會對這個起源產生一個疑問。

到底是先有詞，還是先有曲呢？

答案是：都可以，這沒有一定。
你的想法哪邊先來，就從哪邊先來。覺得不好就在修改。

不過要注意的就是，倘若你的歌詞先出現，那你在作曲的時候就不能和創作歌詞一樣自由自在，而是會被自己所創作的歌詞稍稍牽制住。

但當然，你可以隨時調整你的詞曲，直到兩邊完美的融合在一起，讓你的創作變得更好聽。

創作旋律的模板

在上一篇O.U線上套裝課程裡有提到關於流行音樂裡，旋律的產生方式。

針對副歌旋律的創作（也就是作曲），課程中有提到十一種，分別是：

• 水平式旋律
• 上升式旋律
• 下降式旋律
• 波形式旋律
• 重複式旋律
• 半重複式旋律
• 模仿式旋律
• 誘因式旋律
• 同步式旋律
• 導入式旋律
• 跨度式旋律

關於每一種創作方式，課程中都有套用使用該方法的流行音樂去做講解，解說非常詳盡，也因為是常聽到的歌，對於這些模組也會記得特別快

以下是對於誘因式旋律的示範：

也許現在也不只有這十一種方式了，或許有更新的創作方法也不一定。不過這些方法應該還是能夠幫上你們的忙。

重要的是，這些方式同樣也只是在你沒有方向的時候，能夠給你一些創作的參考。

並不需要每一次都完全照做。

一剛開始不熟悉可以先照著方法走，但到了後期，你也可以開始嘗試屬於你自己的創作方式。

然後再產生新的方式，再產生新的方式。

相信我，會很好玩，而且還獨一無二。

分享一下我自己創作旋律的方式，讓你也可以當作一個參考，雖然不是很正規就是了哈哈哈。

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我個人的創作方式

我自己的創作方式不是先有詞或先有曲，而是直接跳到第三階段，先有編曲。

• 我會先做可能8-16bar的大致編曲（含和弦、beat、貝斯、或是一些我現階段想加的哩哩摳摳）接著循環這一段樂句，並試著填入旋律到這段樂句裡。

• 如果哼了幾遍，有還不錯的旋律開始成形，我就會開始錄音，把這段旋律錄進去。

• 接著你就可以用目前有的樣子去把每個段落弄得更完整。調整和弦配置、更換配器、安排曲子的段落等等。

可以不用填詞，哼哼唱唱就好，但你想要隨意填些詞進去也可以，這沒有什麼規範。

我都會把這樣亂哼亂唱的版本稱為：外星語版。

其實一開始寫弦律的時候都是單音單音填進去。就像YAMAHA檢定考試那樣把填進去不會怪的音符填進去而已，非常的死板。

這一階段我其實撞牆了非常久，寫出來的歌都缺少了我要的感覺，直到有天在看韓國的實境秀，才發現，噢，原來還可以這樣做歌啊。

可以直接從01:39秒開始

於是這就變成了我至目前為止的一種創作方式。

不過就像我說的，安排較後的創作，越容易受到前面創作的牽制。

就像我直接先做編曲，那很有可能在填曲的時候會遇到：突然哼出一段很好聽的旋律，但編曲的和弦不對。

這樣子我就要去修改整個編曲的和弦配置，這類的問題。

雖然是這樣啦，但我還是很喜歡目前的創作方式。

有興趣的話，你們也可以試試看，然後來和我分享吧💥

製作簡易Demo

當你完成你的詞曲架構，在一般的音樂流程裡，會需要你將你的詞曲製作成有大致方向的demo，之後將這個demo交給專業的編曲去將詞曲做更進一步的創作。

或是你想要推薦你自己給唱片公司，也會需要demo來讓唱片公司為你的作品做分析。

什麼是Demo?

Demo有人解釋成試聽帶，或是樣本。

在曲子還沒有完成之前（編曲到一半，段落做到一半，聲音尚未處理乾淨）都算是demo。

不過因為現在會做音樂的人已經越來越多，對於demo的要求也會越來越高。

從一把吉他加上詞曲的demo到近乎已經完整編曲的demo都有。

通常來說，通常啦，很多業界人士都會說，要將demo做到近乎完整才有可能被唱片公司聽見。

但一樣，這沒有標準答案，而且我也沒有嘗試過，因為我一直都只是在做我喜歡的音樂哈哈。

只要你覺得你滿意了你自己的作品，就公開讓大家欣賞吧，肯公開跨出去才是最重要的。

尋找製作人

通常，再次強調通常哈哈。

如果唱片公司或是想將這首歌曲推出去的人，聽過demo後覺得：欸！這首歌可以推的話，就會開始找這首歌的音樂製作人。

音樂製作人在做什麼？

一定很多人一開始會和我一樣，想說，音樂製作人聽起來好帥，可是他到底是在做什麼的？

就目前為止，在看了很多製作人的專訪，讀了很多資料後，我的了解是：

音樂製作人的工作就是整個專案（就是一首歌）的統籌。

我認為他需要一雙很好的耳朵、充足的音樂知識、和對市場或是聽眾有非常好的洞察力及敏銳度，然後良好的溝通能力。

（當然啦，創作有時候也只是抒發心情，用另一種方式說說想說的話，並不一定要去刻意符合市場。可以照著你自己想要做的去做。因為我覺得，以真實的心情、真心的喜歡去創作出來音樂才會是最好聽的。）

他會為這首歌找到適合的專業人士。例如編曲師、錄音師、弦樂團、爵士樂團、樂手、混音師等等等。

想像出這首詞曲應該要有的感覺，並依序去執行，最終讓這首歌完成。

因此這首歌最終會呈現成什麼樣子，決定權幾乎可以說是在製作人手上。

不過到了科技發達的2020，已經有許多音樂創作者不選擇從前的音樂製作流程，而是從詞曲發想到身兼音樂製作人全都一手包辦，只為了讓自己創作的曲子，符合自己最開始想像的樣子。

編曲

就像我說的，現在是科技發達，幾乎人人都能做音樂的2020，所以當然，你也可以自己將編曲給做完，並不一定要交給其他人去做。

畢竟歌曲過了編曲階段後就差不多定型了，而編曲又是注入靈魂到一首歌裡，最重要的一個環節。

編曲和作曲的差別？

最開始很多人都會搞不懂作曲和編曲的差別在哪邊，包括我自己也是。

就我目前了解的定義：

• 作曲就是：你亂哼亂唱一不小心唱出一段很好聽而且又沒有出現過的旋律，這就算作曲。

• 而編曲則是：為你那一段很好聽的旋律添加上更多元素。

例如鋪上（？）和弦、墊上（？）貝斯、串上（？）鼓組、或是一些你覺得特別而且放在你曲子裡一定超好聽的元素（水滴聲啊、時鐘聲啊、奇怪的人聲啊等等之類的）。

編曲能夠將原本想表達的情緒更加的展現出來。能夠利用不同的聲音代表不同的情緒，或是讓聲音成為一篇一篇短短的故事，最後互相堆疊，創造出你要的感覺。

在僅有詞曲的軀殼，注入了靈魂，讓他有了傳遞訊息的可能。

這就是對我來說的編曲。

我知道很抽象，因為我形容的太浪漫。不過我後續會針對每一個步驟去做詳細的介紹，所以也不用太擔心實際上到底要怎麼操作才會比較好。

如果覺得等我的文章太慢，你想快點知道怎麼做，趕快創作出自己的音樂，而你又剛好有預算的話！

我建議你可以先去買套線上課程來上，這樣能加速你對音樂製作的了解。

先前有寫了篇文章關於線上課程的評價，如果你讀完對音樂製作有更進一步的打算，可以到那篇文章看看參考參考。

錄音

完成曲子的編曲後，就會開始進入錄音階段。

日程、細節規劃

不管是請歌首來錄人聲或是樂手來錄樂器演奏，事前都需要開個會，減少況狀的發生。

例如時間上的安排、要錄製人聲或是樂器諸如此類的細節，能夠事前了解都是件好事。

當然會有人覺得，也太麻煩了吧，不用開啦，直接來啊。那是個人選擇的自由，我也不會說，不行一定要開，什麼的。

不過我個人是很偏好事前開會的人，因為：

• 錄音室借很貴

租借錄音室通常以hr計價。如果沒有規劃的錄下去，一不小心預算就爆了，心會很痛。

至於價格，每一間錄音室依據規模、設備而價格不同，大家如果要租借，可以以自身需求去做選擇錄音室的評斷，也不一定都要花大～錢啦！

• 做事情喜歡有效率並且順順地進行

雖然有百分之八十至九十可能還是會有狀況發生，但我還是想說能把那十到二十趴減少也好。

而且狀況如果比較少，對於現場的每一位工作人員來說，整個狀態也會是舒服的，能夠降低摩擦的發生。

錄音方式

歌手

錄音會是一段漫長的過程。

和歌手唱個好壞、樂手演奏的好壞無關，因為對於專業的他們來說，進錄音室前準備完全是必須的。

而時間漫長的原因，可能會跟製作人或是歌手本人，對於情緒上的展現滿不滿意有關。

包括呼吸、咬字、唱法等等都可能影響到這首歌的表現方式。

找了一個比較輕鬆但又嚴格的錄音片段給大家參考

樂手

樂手也不光是單純的演奏而已，對於歌曲情感張力的熟悉度要夠高，並且要能調整出符合情緒的演奏方式。

製作人感覺一不對，可能就要重新來過了。

可以從9:10秒開始看

修音準、節拍

錄音結束以後，會針對錄製的聲音做初步的後製處理。

• 修正音準
• 去除不小心錄進去的雜音口水音
• 對準節拍

會以這三項為主要處裡的方向。

我有聽過有歌手不准製作人使用修音軟體在自己身上的。但當然這，方面就是看你對這首歌表達的方式了。

不過目前聽過的處理方法都會稍微的修正音準，讓人聲聽起來更加舒適。

但最重要的還是錄音時就要注意歌手的音準，千萬不能有，啊反正給後製修就好了的想法。

修音軟體它只是一套工具，目的應該是讓原先就ok的聲音，有更好的展現。

如果前期錄音時完全沒有注意音準，而導致後製有太多太多要修正，人聲最後處理完，也會聽起來相當的不自然，聽起來也不會舒服的。

而不小心錄進去的口水聲我認為是一定要拿掉的。除非你覺得那是你表達歌曲的一種方式。

不然絕大部分的聽眾，都不會喜歡在聽歌的時候聽到口水聲。

混音

在所有的編曲、錄製都完成後，就會進到混音的階段。

什麼是混音？

簡短來說就是：調整每一個音軌，讓每一個音軌能夠融合在一起，達到製作人對於這首歌想要的感覺。

要調整的會包括：每一軌的音量大小（volume）、空間的殘響(reverb)、音色調整(調整EQ會對音色的影響很大)、聲音的位置（pan）等等很多種讓音軌能平衡的參數。

混音的目的是為了讓曲子想傳達的感覺更突顯出來，但如果在前面幾個步驟就沒有把想傳達的表現清楚，就不能奢求在混音這個階段能夠突然讓整首曲子變得非常不一樣。

就像不好的商品再怎麼包裝漂亮，本身還是不好的商品。

因此從第一步開始就應該要踏實的做好，而不是胡亂的帶過，覺得後面一階段的人一定可以在製作的更完美。

聽眾不是笨蛋，是不是真材實料他們永遠分辨得出來。

母帶處理

混音結束，每條音軌都完美的融合以後，就進入母帶處理的階段了。

母帶處理是什麼？和混音差在哪邊？

• 混音，是針對一首的歌每條音軌去做調整，讓那一首歌的每條音軌達到平衡，傳達製作人所想表達的感覺。

• 母帶處理則是在一首歌完美融合以後，再去做最後的調整。

為什麼還要再做這個調整？

• 為的是讓一張專輯裡的每一首歌，在聆聽的時候不會有，這首歌超大聲到下一首的時候，又超小聲的感覺。

• 再來就是確保聽眾在收聽這張專輯的每首歌（也可能是單曲）時，不論使用什麼設備（電腦、耳機、喇叭等）都能收聽正常且好聽的歌曲。

音樂行銷、音樂曝光

最後這一個步驟是我自己加進去的，也許在先前的音樂製作流程不曾出現過。

現在已經到了資訊發達，只要你有心，想學什麼幾乎都能從網路上找到資源的時代。

這也是個人人都能做音樂的時代。

也許做出來的，還會比目前線上很多藝人都還要來得厲害，但因為缺乏推廣，自己的作品幾乎沒有被看見的機會。

這樣非常的可惜，對吧？

但，就算沒有唱片公司的行銷團隊幫忙推廣，你也能夠靠你自己殺出一條路的。

因為時代不一樣了，只要你想，你隨時可以將你的作品po出，讓人欣賞。或是直接私訊某些製作人請他們聽聽你的demo(如果他們願意理你的話啦)。

網路產生了更多可能，因此你要做的就只有跨出去而已。

好的作品，永遠有會被聽到的價值，但你不秀出來，永遠不會有人知道。

而後我也會整理一些音樂行銷的資源、實用方法，希望能幫助到你們的作品，得到更多的曝光。

在那之前，就好好創作，享受創作吧！

結尾

想呼應我在最開始所說的：流程，只是給你一個方向，你並不一定全都照做。

創作出你喜歡的音樂，喜歡你自己的創作才是重點。

（好啦如果是給聽眾聽的話，他們喜歡也很重要的喔！）

之所以喜歡創作，就是因為它不會有死板板的規則，你永遠可以創造出屬於你自己的規則。

所以，好好享受這一切吧！